Американский художник. Родился в 1992 году в Карлсруэ, Германия. Живет и работает в Чикаго, штат Иллинойс, США. В 2015 году получил степень бакалавра искусств в индустриальном дизайне, окончив Саваннский Колледж искусства и дизайна. Там же с 2017 года преподает и курирует выпускников.
Избранные выставки:
2018 Ярмарка Art Palm Springs, Arcadia Contemporary, Калифорния, США.
2018 Арт-ярмарка в Лос-Анжелесе, Arcadia Contemporary, Калифорния, США.
2017 Персональная выставка, Shain Gallery, Северная Каролина, США.
«Джею Льюису из Чикаго всего 26 лет, и он уже многообещающий и очень талантливый художник, который изображает изящные женские фигуры на фоне энергичных, абстрактных цветных полей. Его превосходные картины построены на контрасте: мягкие и чувственные лица, кажется, медленно выходят из бурь смело и плотно положенной краски. В работах Джея Льюиса интимность и неистовство сосуществуют. Такое сочетание создает образы, которые до этого не видели художественные галереи». Галерея Arcadia Contemporary.
Вам всего 26 лет, и Вы уже испытали своего рода славу и достигли успеха. Вы помните тот момент, когда поняли, что реализовались?
Самый незабываемый момент произошел в прошлом году. Сразу после ярмарки в ноябре в Северной Каролине, в которой я участвовал, меня пригласили выставиться вместе с галереей Arcadia Contemporary в Арт-шоу в Лос-Анжелесе. Я много лет следил за галереей и любил художников, которые были там представлены. Выставиться на таком высоком уровне с моей любимой галерей было моей мечтой. Я бы сказал, что это был мой глобальный дебют!
Когда Вы поняли, что вы хотите заниматься искусством, развиваться в сфере культуры? Может, в Вашей жизни произошел некий поворотный момент?
Решение профессионально заняться искусством для меня было непростым. Прежде чем продолжить карьеру в качестве живописца, я был в сборной США по футболу, используя свой талант больше как спортсмен. Затем спорт открыл мне двери в Колледж искусств и дизайна в Саванне – там я изучал промышленный дизайн. В колледже я разрабатывал разнообразные продукты: от медицинских инструментов до чехлов для отверток инструментов Snap-On, позже я разрабатывал дизайн обуви для Frye Boots в Нью-Йорке.
Мне нравилось креативить и в дизайне, и в спорте, но я всегда оказывался в художественной студии, когда у меня выпадало свободное время. Я бы с удовольствием отказался от сна ради нескольких часов работы за мольбертом. Пока я учился в колледже я рисовал только для друзей и семьи, но потом я узнал, что множество людей желает заказать у меня картины. Многие из запрошенных работ были картинами, на которых можно было увидеть животных (я любил одно время изображать животных). Я постоянно творил во время обучения, а после выпуска решил заниматься искусством на постоянной основе, создавая картины с животными для клиентов и практикуясь в изображении людей для себя.
В России молодые художники не сразу могут устроится на работу или построить карьеру. Порой они тратят долгие годы, чтобы выйти на достойный уровень, чтобы зарабатывать на своих картинах. Сейчас положение немного улучшается - влиятельные институции и фонды учреждают конкурсы, гранты, финансирование. А как обстоят дела в Америке, там молодым художникам легче построить карьеру?
По моему опыту, в Америке зарабатывать на жизнь как художник возможно, если ты сочетаешь создание картин с коллекционированием. Коллекционируя, у художника больше шансов хорошо заработать, чем просто демонстрируя свои технические навыки. Имеете ли вы диплом престижной академии изобразительного искусства или вы коллекционер-самоучка, все равно вы стремитесь получить работу по профессии. У великого искусства есть особая сила, которой нельзя научить, и я думаю, что великие коллекционеры могут ее разглядеть. Я считаю, что в Америке легче добиться успеха как художник, нежели как коллекционер, но в этой сфере невероятная конкуренция с другими художниками.
Помните ли вы свои ощущения, когда открывали первую выставку?
Я много лет практиковался, прежде чем раскрыл себя в фигуративной живописи. К концу открытия моей первой персональной выставки, было продано 25 из 30 моих картин. Я был в восторге от того, что мои работы так хорошо приняли!
Мы заметили, что ваш стиль имеет схожесть со стилем художников югендстиля, в частности венского. Оказали ли художники венского модерна на вас влияние? И какие еще художники вам стилистически близки?
Я ценю работу многих художников югендстиля и, прежде всего, Густава Климта, его чувство дизайна. Многие художники того периода поражают меня. Мне посчастливилось видеть портрет Адели Блох-Бауэр в Новой галерее в Нью-Йорке. Я получил впечатляющий опыт, увидев эту работу лично. На меня сильно повлияло их исследования в области дизайна и желание раздвигать границы.
Как происходит подготовка к написанию картины? Нужна ли особая атмосфера?
Во-первых, самым важным элементом в любом произведении искусства является его история, о чем оно говорит, поэтому я стараюсь сосредоточиться на том, что я пытаюсь донести зрителям. Я не могу передать словами историю каждого произведения искусства, и именно поэтому я изображаю ее вместо того, чтобы рассказывать.
У меня возникает очень сильное чувство в тот момент, когда я пытаюсь передать историю. Для того чтобы создать свою историю, я делаю мудборд («доска настроения») с картинками, образами, значками, цветовыми схемами и т.д., которые могут передать мою историю. Затем я фотографирую моделей для создания изображений, которые я использую для своей работы. У меня получается целый набор фотоснимков, которые помогают мне наиболее ярко рассказать ту историю, которую я задумал. Работая с живыми моделями, я могу создать что-то уникальное и убедиться в верности своего замысла. Мне очень нравится эта часть процесса, потому что энергия и настроение моей работы начинают оживать в этот момент.
Как художник, проводящий большую часть своего времени за работой в одиночестве, я не упускаю шанс сотрудничать с другими профессионалами в этой области. Например, мне доставляет огромное удовольствие работать с моделями в движении, потому что в процессе их движения могу изучить каждую позу и положения. Это позволяет создавать более спонтанные и захватывающие образы, чем, когда работаешь со статичной моделью. Кстати говоря, я преподаю этот процесс на своих практикумах, проводимые во всех штатах, и надеюсь, что в будущем это будут преподавать на международном уровне.
Вы проводите воркшопы и лекции. О каких главных принципах живописи Вы говорите? Что должен уметь настоящий художник прежде всего?
В своих воркшопах я обучаю своему процессу создания картины от идеи до завершения дневного исследования. Мы изучаем «живую» фотографию, компьютерный дизайн и эскизы. Я показываю художникам, как исследовать их собственное творчество.
Трудно сказать, что именно «настоящий» художник должен уметь делать прежде всего. Искусство – это, в первую очередь, про выражение и общение, поэтому, возможно, художник должен научиться выражать себя, не слишком много думая о том, что говорят другие.
С точки зрения техники рисунок чрезвычайно важен. Если вы хотите создать репрезентативную работу, знания принципов рисунка вам необходимы. Однако, если у вас есть превосходная техника, но нет посыла, разве это искусство? «Настоящий» художник – мастер общения. Как раз этому мои семинары посвящены, я обучаю студентов тому, чтобы они могли что-то донести в своих произведениях.
Что для Вашего творчества важнее: техника или концепция?
Лично для меня концепция намного важнее. Техника – это превосходный инструмент для исполнения произведения, но это не есть картина. Художник вкладывает свою душу в замысел картины.
Какие у вас планы на будущее? Планируете ли приехать с выставкой в Россию?
Я активно работаю в студии, готовясь к нескольким выставкам в Америке, которые откроются в течение года. Я бы с удовольствием открыл выставку в России!
Какой бы вы дали совет начинающим художникам?
Быть художником непросто, но, если вы трудоголик, если чувствуете, что это ваше, и стремитесь простроить карьеру в этой сфере, то это возможно. Я думаю, что молодые художники должны понимать это. Да, создание искусства – это масса удовольствия, но вы должны многим пожертвовать, чтобы добиться успеха. Вот почему стремление донести ваш замысел так важно. Зачем так много работать, когда вам нечего донести? Я не пытаюсь отпугнуть молодых художников от процесса создания картин, ведь это самый полезный опыт, которое я когда-либо испытывал. Я обожаю то, что делаю каждый день!
Искусство будущего - каково оно?
Искусство будущего – это разнообразие! В течение тысяч лет в большинстве культур существовал стандарт создания «настоящего» искусства, и сейчас эта идея рушится. Теперь у нас есть крупные коллекционеры, которые поддерживают художников из всех слоев общества, работающих в различных медиа. Один художник может создать работу, которая конкурирует с лучшими живописцами прошлого, в то время как другой художник может создать супер-концептуальную работу, где материал не будет так важен. Оба художника будут заслуживать внимание зрителей, пока за их произведениями стоит какой-либо замысел. Мне нравится, что мы работаем в среде с исключительной свободой выражения. С другой стороны, цифровые медиа, хочется отметить Instagram, стали отличным проводником искусства в массы. Художники со всего мира создают свои работы и делятся ими с другими художниками и коллекционерами. Это имеет два огромных плюса: во-первых, художники могут быстро находить и делиться новыми идеями друг с другом, а во-вторых, люди могут находить и открывать для себя произведения, которые они никогда раньше не видели. Главный недостаток заключается в том, что произведение всегда будет отображаться на цифровом экране, и многие не смогут испытать важный опыт от созерцания картины вживую. Поэтому я чувствую, что осязание останется основным элементом искусства будущего. В нашей сути заложена жажда тактильности.
