По иронии судьбы с пятницы 13 будут закрыты все арт-площадки российской столицы. Это событие стало вишенкой на торте 2020 года для московского арт-сообщества. 10 ноября вышел указ мэра Москвы, согласно которому с 13 ноября до 15 января 2020 года приостанавливается посещение гражданами культурных, выставочных, просветительских мероприятий (в том числе музеев, выставочных залов, библиотек, лекций, тренингов), за исключением официальных мероприятий, организуемых органами исполнительной власти. Но мы решили не унывать и рассказать вам о самых интересных и ярких выставочных проектах уходящего года. Многие экспозиции будут адаптированы под онлайн-формат, а приобретённые билеты в некоторые музеи можно будет использовать в 2021 году.
«ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда» до 7 февраля
В 2020 году исполняется 100 лет со дня создания в Москве Высших художественно-технических мастерских — главного творческого института страны, определившего путь дизайнерского образования в России в XX веке. Музей Москвы подготовил масштабную экспозицию «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда», которая расскажет об этом институте как о родоначальнике современных художественных, дизайнерских, архитектурных, текстильных, полиграфических и художественных вузов. Это первый выставочный проект, в котором в таком масштабе показаны производственные и художественные факультеты, отразившие художественные эксперименты эпохи авангарда. ВХУТЕМАС, как и немецкий Баухаус, навсегда изменил художественный язык, ведь именно здесь сформировались основы дизайнерского образования в России. Экспозиция впервые подробно расскажет о знаменитых преподавателях и студентах, учебных экспериментах и факультетах Высших художественно-технических мастерских. Натюрморт из стекла и кирпичей, летающий город и трехметровая кубистическая голова рабочего — работы ВХУТЕМАСовцев вас точно удивят.
Образовательный центр MMOMA (Ермолаевский, 17) «20:20. Время остановилось» до 9 декабря
В рамках ежегодного кросс-культурного фестиваля BURO. ИEW COOГ, организуемого онлайн-изданием BURO, в Образовательном центре ММОМА в Ермолаевском переулке при поддержке Фонда Cosmoscow и Московского музея современного искусства вы можете посетить выставочный проект «20:20. Время остановилось», посвященный исследованию новых ритуалов и привычек, появившихся или обострившихся в 2020 году – в период пандемии и общей социальной нестабильности. Выставка вошла в Параллельную программу VII Московской международной биеннале молодого искусства. Куратор Фонда Cosmoscow Александр Буренков пригласил к диалогу 10 молодых российских художников, создавших свои новые проекты специально для выставки и благотворительного аукциона, запланированного на декабрь 2020 года. Время первого локдауна стало периодом не только опытом радикального одиночества и пребывания наедине с собой, но и временем проявления магических сил и необъяснимых иррациональных явлений. Конспирологические теории, новый мистицизм, увлечение гаданиями, астрологией и идеями нью-эйджа стали средствами для эскапизма, побега от неприглядной действительности. Поток мемов, захлестнувший всех весной 2020 года, стал своеобразной сублимацией карантинных ограничений. Правила новой этики как реакция на всплески домашнего насилия в период пандемии и правила информационной гигиены для борьбы с инфодемией, находящие отражения в художественных проектах выставки, становятся новой системой координат вырисовывающегося на горизонте нового мира, лабораторией для появления которого стало домашние пространства отправленного на самоизоляцию человечества. Прогуляться по выставке «20:20. Время остановилось» можно будет и в онлайн-формате. На сайте проекта представлены фотографии работ и сопровождающие их медиа-файлы: отрывки из видео, примеры объектов из дополненной реальности, – а также комментарии авторов о новых произведениях, биографические справки и рассказы художников о своих снах во время карантина.
Еврейский музей и центр толерантности
«Дом для машин. Бахметьевский и другие гаражи» до 10 января
Экспозиция предлагает погрузиться в атмосферу Москвы 1920-30-х годов сквозь призму истории московского гаража. На выставке представлены как автомобили того времени, чертежи гаражей, «домов для машин», так и коллекция фотографий, посвященных изменившемуся облику российской столицы с приходом нового транспорта, детские игрушки и небольшое собрание живописи и плакатного искусства. Об этой выставке мы рассказали подробно в этой статье.
Музей Востока «Метаморфозы земли: японская неглазурованная керамика якисимэ»
до 6 декабря
Выставка рассказывает об истории развития керамики "якисимэ", которая следовала в Японии по своему особому пути. В выставочных залах экспонированы предметы чайной утвари, посуда для кайсэки-рёри (традиционного японского обеда), а также произведения искусства, благодаря чему зрители смогут наиболее подробно познакомиться с видом традиционного искусства Японии. Всего на выставке представлено почти 90 предметов искусства. Среди экспонатов можно будет увидеть произведения, выходящие за рамки традиционных представлений о якисимэ и выполненных в духе современных выразительных средств, однако они представлены вместе с предметами, которые знакомят с чайной церемонией тядо и японской традиционной кухней васёку. Выставка подарит зрителям прекрасную возможность лучше понять японскую эстетику и чувственность. Керамика, будь то фарфор, фаянс или простые глиняные изделия, производится в мире повсюду, где есть глина и дрова, необходимые для ее изготовления. Но, пожалуй, только в Японии изделия, обожженные без глазури, так называемая керамика якисимэ, традиционно используются для еды и питья в повседневной жизни.
SAMPLE Выставка-лабиринт «Заживо»
Качественно сформированная выставка в онлайн-пространстве – вот, какой формат в нынешнее время является самым лучшим решением в нынешней ситуации. Виртуальная выставка московской художницы Натальи Гончаровой “Заживо” представляет собой мультимедийный интерактивный проект, основанный на тибетской книге мертвых “Бардо Тодол”. Это выставка – лабиринт. Художница предупреждает, что материалы могут шокировать, но слишком заманчиво нажать кнопку “старт” на панели, напоминающей панель управления в космическом корабле из фильмов 1980-х годов и отправиться в путешествие.
Зрителя относит в виртуальные пространства, он оказывается в “комнатах”, наполненных видео, фотографиями, графическими произведениями. Лабиринт напоминает кибер-дневник или скетчбук, в котором в виде коллажа сочетаются клочки и отрывки разных нарративов. Зритель же переходит с ссылки на ссылку, выполняет задания и выбирает “да” или “нет” в ответ на метафизические вопросы. Гончарова бросает зрителю вызов, призывает его отпустить все лживые установки и привычные знания о мироздании, сопровождает его через аудиогид и присутствует в проекте от лица своего альтер-эго – героини НТШШ – на фото и видео. «Для меня это было возвращением в материю без материи, погружением в цифровую бесконечность и фиксацией общечеловеческого разума на момент кульминации победы онлайна. (Проект создавался во время карантина-прим. ред.) Специально для выставки я лучше изучила этот кибер-язык. На самом деле он меняет нас больше, чем мы думаем, формирует наши мысли и поступки, чувства, жизнь, общение и любовь. Это уже существующая реальность. Мы киборги – только пока наша матрица, в широком ее смысле, в наших ладонях. Совсем скоро она проникнет внутрь нас», – поделилась с нами художница.
«Утопая в цифрах» до 30 ноября
В сентябре 2020 года в Москве появилось новое арт-пространство на втором этаже Москвы-Сити и галерея, разместившаяся на 40-м этаже Mercury Tower – ILONA-K artspace, дебютировавшая масштабной ретроспективной выставкой работ Ольги и Олега Татаринцевых. Художники разработали представленные в новом арт-пространстве проекты специально созданны к ее открытию. Прежде всего это инсталляция «Утопая в цифрах», давшая название всей выставке и посвященная размышлениям о мнимых и реальных угрозах современной цивилизации. Смертельное оружие, которое столь часто становится решающим доводом в политических диспутах и внутренних конфликтах, оказывается бессильным перед невидимой глазу опасностью — вирусом, уносящим сотни тысяч жизней. Важной частью инсталляции стали графические листы с исчезающими цифрами — международной статистикой заболеваний, которую художники вели с первых дней пандемии. Более двух десятилетий Ольга и Олег Татаринцевы — сформировавшиеся в годы перестройки художники успешно работают как в России, так и на Западе, исследуя язык форм и используя в своем творчестве впечатляющее разнообразие выразительных средств. Они активно обращаются к социальной проблематике, а также к теме отношений искусства и власти. В то же время творческий метод Татаринцевых, отличающийся, с одной стороны, тяготением к концептуализму, а с другой, неподдельным и глубоким интересом к пластическому образу, позволяет перевести актуальные во все времена проблемы социума из сферы политики в область художественных форм. В работах Ольги и Олега Татаринцевых нередко прослеживается диалог с беспредметным искусством раннего советского авангарда, обращение к литературным и историческим источникам разных периодов XIX-ХХ веков. Но независимо от выбранной темы и материала их работы отличаются стилистическим единством и безупречным эстетическим качеством. Поэтому со стороны кураторов выставки было бы невероятным упущением не показать зрителям их более ранние работы, чтобы сформированать полноценную картину о художниках, поэтому в арт-пространстве на втором этаже башни представлены проекты, осуществленные за последние десять лет и позволяющие оценить эволюцию творческих интересов Ольги и Олега Татаринцевых, развитие их стиля. Именно в этом просторном зале можно познакомиться с серией «За пределами», построенной на сложном балансе текста, шрифта и цвета, многоцветных скульптурных объектах «Упорство памяти», «Груз» и «Камуфляж», а также сложносоставных инсталляциях «Природа молчания» и «Ген альтруизма», которые посвящены людям, бесстрашно воплощавшим свои идеи во времена тоталитаризма, и произведения из проекта «Вместо музыки», вдохновленного идеологическим манифестом сталинской эпохи, который ознаменовал начало борьбы с формализмом в советской культуре.
Mirra gallery POP-UP MIRRA X VESPER до конца декабря 2020 года
Галерея Mirra продолжает развивать формат поп-ап выставок в недоступных локациях, каждый раз виртуозно вписывая предметы дизайна в новые интерьеры. Первая в России по масштабу и значимости подобная коллаборация, доступна только для частного просмотра клиентов галереи Mirra и компании Vesper. Mirra gallery предлагает погрузиться в атмосферу роскоши и насладиться красотой 60 предметов коллекционного дизайна в pop-up проекте по мотивам произведений Набокова. Дом компании Vesper, известной всем ценителям недвижимости класса de luxe, стал не только сокровищницей для коллекции, но и вдохновил Ирину и Нателу Манкаеву (бюро «Декоратор N») на создание трех выставочных пространств по мотивам произведений писателя: «Лолита», «Защита Лужина» и «Король, Дама, Валет». По примерным оценкам стоимость коллекции составляет около 600 000 евро, некоторые предметы, представленные в рамках экспозиции, доступны для покупки. Узнаваемый с первого взгляда стеллаж Carlton, созданный главой дизайнерской группы Memphis Этторе Соттассом, полноправный культовый арт-объект, чьими поклонниками были Карл Лагерфельд и Дэвид Боуи. Редчайший торшер, изготовленный для театра Regio в Турине маэстро света Джино Сарфатти (его предметы недавно вошли в список культурного достояния Италии). Самые желанные кресла Пьера Жаннере, сделанные в период совместной работы с Ле Корбюзье над проектом индийского города Чандигарх. Все предметы — звезды мира коллекционного дизайна, которые находятся в коллекциях международных музеев, а их стоимость продолжает расти с каждым годом.
Iragui gallery «Гудвин»
до 13 января 2021
Групповая выставка «Гудвин» продолжит ряд выставок галереи, основной фокус которых – способ показа человеческого лица. Работы, собранные на групповой выставке «Гудвин», предъявляют лица. Сконструированные представления, они воспринимаются зрителем как «ты-концепции» и побуждают придумывать «я-концепции» в ответ. Художники обращаются к проблемным способам общения, инициируют ситуацию разглядывания образа другого, что может вызывать ощущения нереальности, чрезмерности или недостатка. Обостренное внимание к лицам в дискуссиях о современности часто подается как культурно-исторически обусловленное (социальные сети, слежение, ориентация сферы услуг на профайлинг клиентов) и неизбежное. На выставке одержимость лицами трактуется как всегда индивидуально выбранный и ситуативный поиск себя в представлениях о других. Куратор выставки считает, что показанные произведения амбивалентны: они подробно останавливаются на кажимостях – нереальных представлениях о себе и других, но предполагают выход из тумана представлений к прямому общению.
«Четкие контуры» до 5 декабря
Выставка «ЧЕТКИЕ КОНТУРЫ» — первый проект галереи на новом месте. Она посвящена «русскому минимализму», представленному работами художников, которые начали свой путь в 1960-1970-х годах. Название «ЧЕТКИЕ КОНТУРЫ» отсылает к термину Hard Edge Painting, или «Живописи жестких контуров», — одному из ключевых течений американского искусства 1960-х – 1970-х годов. Считается, что американские минималисты в какой- то степени отталкивались от идей конструктивизма и авангарда. На выставке «ЧЕТКИЕ КОНТУРЫ» представлены работы прямых «наследников» русского авангарда, сохранявших и развивавших наперекор системе главный художественный язык ХХ века — язык модернизма. На Западе геометрическая абстракция 1960-70-х годов — признанная дорогая классика. У нас произведения художников того же поколения, обнаруживающие, по словам Леонида Бажанова, «определенные точки соприкосновения, пересечения с почти параллельными явлениями в мировом искусстве», до сих пор не получили заслуженного высокого признания.
Ruarts Fondation Персональная выставка Дмитрия Аске «ЗА МГНОВЕНИЕ ДО РАССВЕТА» до 10 января 2021
Являясь одним из идеологов искусства уличной волны в России, Дмитрий Аске не ограничивает свою деятельность и выходит далеко за рамки субкультуры. Масштабные мозаичные панно, скульптуры в урбанистическом ландшафте и городские муралы, выполненные в узнаваемом визуальном стиле художника, свидетельствуют о монументальном характере его творчества и стремлении автора говорить на глобальные темы, осмысляя реальность. Реализовав за последнее время ряд крупных паблик-арт проектов, Дмитрий Аске возвращается в пространство галереи с новыми студийными произведениями. Одно из них, в котором автор попытался зафиксировать дух времени, «За мгновение до рассвета», дало название всей выставке и обозначило главный мотив проекта – застывший накануне грядущих перемен мир. Во времена, когда напряжение и драматизм происходящего вокруг неизбежно нарастают, нам все сложнее сохранять внутренний баланс и не позволять нашей жизни рассыпаться
на части под воздействием внешних факторов. Яркая палитра и запоминающийся стиль произведений художника не заслоняет его глубокого и серьезного послания: в суете и нестабильности современной жизни художник призывает сконцентрироваться на важном: осознанности, спокойствии и любви. Используя собственную мифологию, основанную на главных культурных и социальных архетипах, Дмитрий Аске пересобирает пазл реальности и указывает нам основные векторы и перспективы развития. Все произведения, представленные на выставке, выполнены в авторской технике мозаичного рельефа из фанеры. Сотни фрагментов каждой работы вырезаются лазером, а затем окрашиваются вручную аэрозольной краской, чтобы сложиться в многослойную мозаику по предварительным эскизам и чертежам. С каждым новым крупным проектом произведения Дмитрия Аске заметно эволюционируют, композиции и сюжеты становятся сложнее за счет содержания, проработки деталей и подбора новых цветов. Авторская техника, предполагающая кропотливую ручную работу, становится инструментом для передачи взглядов художника. Аске призывает на мгновение остановить наш стремительный бег, перестать жить чужими навязанными идеями и найти ответ на вопрос что значит быть современным человеком. Orekhov gallery «Another reality» до 28 ноября
Тим Парщиков создал свой проект во время карантина в Москве, в эти странные три месяца, похожие для него визуально на навсегда застывшие майские 5 утра. При этом эмоционально художник воспринимает карантин как чередование позитивных и негативных аспектов, новых привычек, иного восприятия времени. Город для него именно поэтому выглядит сотканным из кусков негативного и позитивного изображений, вызывая чувство неразрешимости ситуации и при этом туманности будущего. Тим обращается к важному для него приему, саспенсу в жизни — чувству непроизвольной тревоги, присущей человеку изначально, тревоги, которая оборачивается изоляцией, незащищенностью перед неизвестностью. Специально для выставки Григорий Орехов создал работу под названием “Magic bed” нержавеющая зеркальная раскладушка. Как и обещает название, объект магически сообщает многое о зрителях и самом художнике. В контексте этого проекта — это отсылка к временным госпиталям с тысячами коек, в каком-то смысле один из символов периода пандемии.
Artwin Gallery & Cube.Moscow Персональная выставка Мики Плутицкой «Как в детстве карусель» до 6 декабря
Мика Плутицкая долгое время занималась перформативными практиками, а также активистскими проектами, связанными с проблематикой феминизма. Так, она стала одной из авторок проекта «И-Искусство. Ф-феминизм. Актуальный словарь», одного из важнейших в области исследования феминизма в современной России и его репрезентации в художественных практиках за последнее десятилетие. Живописью Плутицкая занимается лишь последние 4 года, однако важно отметить, что ее практика основана на исследованиях визуальных, исторических и культурологических и далека от формальных живописных изысканий. Исследовательскому элементу и его методологии художница уделяет особое значение. На выставке будет представлено 14 работ, которые в целом составляют серию «Лесной олень», однако могут быть подразделены на три главы как сюжетно, так и колористически. Центральной темой серии стала память и механизмы ее конструирования. Живопись, по мнению художницы, исторически наиболее тесно связана с мифологизацией памяти. Плутицкая активно использует монтажный принцип (как внутри отдельной работы, так и при выстраивании связей между работами), а также анимационный принцип изменения через повторение и масштабирование. Именно поэтому единицей практики для художницы выступает скорее серия, чем отдельная работа, что порождает многократное воспроизведение схожих композиций - своеобразная попытка поиска ускользающей истины. Методологически важным понятием для художницы в этом визуальном исследовании является понятие «складок памяти» по Делезу. С другой стороны, используя пластические и физические свойства краски, художница работает с неоднозначностью, размытостью выстраиваемого образа, возвращая зрителя к идее памяти и ее вариативности и приглашая принять активное участие в игре восприятие-воображение. Визуальный материал и круг тем, с которыми работает Плутицкая постоянно вопрошают эту границу. Так, точкой отсчета для серии стала случайно найденная художницей фотография начала 70-х годов (по сути дела документ), а с другой стороны - фильм 1972 года «Ох уж эта Настя!», почти полностью забытый, но оставивший нам широко известную песню об олене. Так, и название выставки отсылает нас сразу к двум культовым песням из мира советского детства: «Ветер перемен» и «Прекрасное далеко». По сути дела, Плутицкая предлагает нам как психологическое, так и материальное исследование советского детства, для кого-то почти не случившегося, для кого-то оставшегося романтизированным в унисон с воспевавшей его популярной культурой того времени, а для кого-то лишь постепенно раскрывающего свои травматизирующие темные моменты.
Галерея ГУМ-Red-line «Обстоятельства непреодолимого времени» до 21 января 2021
Персональный проект Евгения Гранильщикова «Обстоятельства непреодолимого времени» на три месяца преобразит галерею ГУМ-Red-Line в пространство исследования флешбеков и синкоп эпохи, очерчивая линию от 80-х до наших дней. Раздвоенность сознания переходных эпох предсказывает сценарий выставочного проекта. Экспозиция формируется как единая инсталляция из двух частей: первая транслирует идею при помощи фотографий и графики, вторую художник трансформирует в кинозал с тремя экранами. Евгений Гранильщиков развивает тему видео-проектов в новой графической серии «Касания» (2020), а также в фотографических сериях «Без названия (реенактмент)» (2020) и «Без названия (Шесть)» (2014). Две видеоработы – «Без названия (фарфор)» и «Последние праздники уходящего лета» – опорные точки, созданные таковыми прицельно. Полная версия видео «Русская мода» (2020), как и первые два фильма, – премьера. Все вместе, плюс видео «Фейерверки» (2020), они образуют визуальное и нарративное созвучие, раскрывающее идею названия «Обстоятельства непреодолимого времени».
Рихтер
Персональная выставка Дмитрия Старусева «Куда летит солнце»
до 19 ноября
В июле 2020 дизайн-отель«Рихтер» отдал часть своего пространства современным музыкантам, художникам, скульпторам, ювелирам, дизайнерам для творческих экспериментов и воплощения идей не всегда возможных в рамках культурных институций. В рамках проекта «Мастерские Рихтера» Дмитрий Старусев создал свою новую инсталляцию «Куда летит солнце». Экспозиция будет представлена тремя витражами и серией фотографий. Первовещество работ художника — фотография, а если брать шире — процесс работы с понятием света. «Куда летит солнце» уже не первый проект, где Дмитрий совмещает бумажные отпечатки с сиянием крупноформатных стеклянных объектов. Несмотря на то, что главная работа олицетворяет солнце, вся концепция выставки скорее принадлежат режиму ноктюрна. Весь проект выстраивается вокруг понятия света, которое имеет и прямое отношение к фотографической практике, непосредственному получению изображения. Художник сталкивает,совмещая, два метода — основу фотографических снимков, где в классических исходниках черное– это белое, с эффектом светопреставления, заложенного в витражную технику. В обоих случаях для перевода в плоскость видимого необходим свет. Его роль — созидание. Для витража — это проявление изображения, в фотографии — регистрация записи для получения.
Comments